"Μπαλέτο του Μωρίς Μπεζάρ" ("Bejart Μπαλέτο Λοζάνη") θα παρουσιάσει δύο μοναδικά προγράμματα στο Ισραήλ στις αρχές Οκτωβρίου. Η πρώτη από αυτές αποτελείται από 4 παραστάσεις από το μόνιμο ρεπερτόριο του μπαλέτου Maurice Bejart - το διάσημο "Bolero" σε μουσική του Maurice Ravel και τρεις ακόμη μονόπρακτες παραστάσεις: "Edith Piaf", "Bhakti" και το νέο μπαλέτο " Anima Ακεφιά«σε σκηνοθεσία του σημερινού καλλιτεχνικού διευθυντή του θιάσου, μαθητή του Bejart, που χόρευε στο μπαλέτο του για 30 χρόνια, του χορογράφου Gilles Roman. Το δεύτερο πρόγραμμα είναι η διάσημη παράσταση του Bejart «Μπαλέτο για τη ζωή». Το θρυλικό μνημειακό μπαλέτο θα προβληθεί για πρώτη φορά στη χώρα μας. Το "Ballet for Life" ανέβηκε από τον Bejart σε μουσική του Freddie Mercury, Queen και έργα του Mozart. Τα κοστούμια για αυτό το μπαλέτο έγιναν από τον Gianni Versace.
Ο Maurice Bejart είναι εδώ και καιρό ένας θρύλος. Το μπαλέτο "The Rite of Spring" που ανέβασε ο ίδιος το 1959 συγκλόνισε όχι μόνο τον κόσμο του κλασικού χορού, αλλά ολόκληρο τον κόσμο γενικότερα. Ο Bejart, σαν μάγος του παραμυθιού, άρπαξε το μπαλέτο από την ακαδημαϊκή αιχμαλωσία, το καθάρισε από τη σκόνη και το χρύσωμα αιώνων και ο ενημερωμένος, σέξι, έξαλλος χορός του Marseillais Bejart έγινε σύμβολο του εικοστού αιώνα. Και σήμερα, στον εικοστό πρώτο αιώνα, ο Bejart παραμένει ο πιο ελκυστικός μύθος του μπαλέτου. Οι καλύτεροι χορευτές στον κόσμο θέλουν να χορέψουν τα μπαλέτα του. Τα καλύτερα θέατρα στον κόσμο διαγωνίζονται για το ρεπερτόριό του. Και μπορούμε να δούμε αυτά τα μπαλέτα - μια συγχώνευση αισθησιασμού και συναισθημάτων - τον Οκτώβριο στο Ισραήλ.
Οι κριτικοί αποκαλούσαν τον Μορίς Μπεζάρ «ψόγο», «σκανδαλιστή», «παράδοξο», «χορογράφο που καθόρισε την εποχή». Επέλεξε τον ορισμό που πλησιάζει περισσότερο στην κοσμοθεωρία του - «ταξιδιώτης». Ο Maurice Bejart ήξερε ποια γλώσσα πρέπει να μιλάει ένα μπαλέτο του 20ού αιώνα. Ο πρώτος του θίασος ονομαζόταν «Μπαλέτο του 20ου αιώνα». Μαζί της ο Bejart, μη αποδεκτός από τους παριζιάνικους αισθητικούς, έφυγε από τη Γαλλία και βρήκε σπίτι στις Βρυξέλλες. Και τα τελευταία 20 χρόνια της ζωής του σκηνοθέτησε το δικό του «Béjart Ballet» στη Λωζάνη. Ο Bejar είναι ένας από τους ιδρυτές του σύγχρονου ευρωπαϊκού θεάτρου μπαλέτου. Προσπάθησε να κάνει τον χορό την κύρια τέχνη του εικοστού αιώνα. Ήθελε όχι μόνο σπάνιους ερασιτέχνες, αλλά και εκατομμύρια θεατές να πάνε στο μπαλέτο. Και πέτυχε - οι δημιουργίες του Bejart είχαν τεράστια επιτυχία σε διάφορες χώρες του κόσμου. Έκανε όλο τον κόσμο να ερωτευτεί το μπαλέτο.
Αντί για μπαλαρίνες ντυμένες με tutu, οι παραγωγές του Bejart παρουσίαζαν ανθρώπους από σάρκα και οστά με εκφραστικές κινήσεις που έδιναν ελευθερία στα συναισθήματά τους. Οι αρχές του χορού αυτού του μεγαλύτερου χορογράφου, ενός επαναστάτη χορού, είναι «ομορφιά, ενέργεια και θεαματικότητα». Και μοναδικότητα. Ο Bejar αφιέρωσε όλη του τη δουλειά στη δημιουργία της δικής του μοναδικής γλώσσας χορού, πιστεύοντας ότι «τα κλασικά είναι η βάση κάθε αναζήτησης, η νεωτερικότητα είναι η εγγύηση της ζωτικότητας του μέλλοντος, οι παραδοσιακοί χοροί διαφορετικών εθνικοτήτων είναι το καθημερινό ψωμί της χορογραφικής έρευνας».
Όπως και ο Ρούντολφ Νουρέγιεφ, ο Μορίς Μπεζάρ έκανε το μπαλέτο διαθέσιμο στο ευρύ κοινό. Με καταγωγή από τη Μασσαλία και γιος του φιλοσόφου Gaston Berger, ο Maurice Béjart εγκατέλειψε τις σπουδές του στη φιλοσοφία για να γίνει χορευτής και στη συνέχεια, στα μέσα της δεκαετίας του '50, χορογράφος. Το θέατρο La Monnaie των Βρυξελλών ήταν το πρώτο που σημείωσε το εκπληκτικό ταλέντο του Bejart. Ήταν γι' αυτό το θέατρο που ο Μπεζάρ ανέβασε την Ιεροτελεστία της Άνοιξης του Στραβίνσκι το 1959, ένα αριστούργημα χορού που έγινε κλασικό του 20ού αιώνα. Για τον θίασο των Βρυξελλών «Μπαλέτο του 20ου αιώνα» ο Bejart δημιουργεί τις πιο διάσημες χορογραφικές παραγωγές του - «Bolero», «Ninth Symphony», «Firebird», «Romeo and Juliet», «Bhakti». «Πήρα τη ζωή και την πέταξα στη σκηνή» («Je prenais de la vie et je la jetais sur scène») - έτσι περιέγραψε ο Bejart τη δουλειά του στο μπαλέτο του Στραβίνσκι «The Rite of Spring» στο αυτοβιογραφικό του βιβλίο «Un instant dans la vie d' autrui», που δημοσιεύτηκε το 1979.
Στις αρχές Οκτωβρίου 2016, ο θίασος Bejart Ballet Lausanne, μετά από ένα μεγάλο διάλειμμα, επιστρέφει στο Ισραήλ με δύο προγράμματα. Η πρώτη από αυτές είναι ρεπερτορίου, αποτελείται από 4 παραστάσεις του μόνιμου ρεπερτορίου του Bejart Ballet Lausanne - το περίφημο "Bolero" σε μουσική του Maurice Ravel και τρεις ακόμη μονόπρακτες: "Edith Piaf", "Bhakti" και η νέα μπαλέτο «Anima Blues» που ανέβασε ο σημερινός καλλιτεχνικός επικεφαλής του θιάσου, μαθητής του Bejart, που χόρευε στο μπαλέτο του για 30 χρόνια, χορογράφου Gilles Roman. Ο Gilles Roman έγινε δεκτός στο θίασο του Maurice Béjart "Ballet of the 20th Century" το 1979. Μετά τον θάνατο του Bejart, από τον Δεκέμβριο του 2007 έγινε καλλιτεχνικός διευθυντής του Bejart Ballet Lausanne.
Το δεύτερο πρόγραμμα είναι το διάσημο μπαλέτο του Bejart, ένας θρυλικός μνημειακός καμβάς, μια παράσταση που έχει προβληθεί εκατοντάδες φορές σε όλο τον κόσμο και έχει μεταφερθεί για πρώτη φορά στο Ισραήλ, «Μπαλέτο για τη Ζωή», που ανέβηκε από τον Bejart σε μουσική του Freddie. Ο Μέρκιουρι, το γκρουπ Queen και τα έργα του Μότσαρτ. Τα κοστούμια για αυτό το μπαλέτο έγιναν από τον Gianni Versace, ο οποίος σκοτώθηκε στο Μαϊάμι έξι μήνες μετά την πρεμιέρα. Ο σχεδιασμός κοστουμιών για το μπαλέτο του Bejart ήταν ένα από τα τελευταία έργα του Versace.
Ο Bejar δημιούργησε την παραγωγή "Ballet for Life" το 1997. Το έργο ήταν αφιερωμένο στον Freddie Mercury και στον χορευτή του θιάσου του Jorge Donne, καθώς και σε όλους όσους πέθαναν πολύ νωρίς. Το μπαλέτο βασίζεται στις τύχες του Freddie Mercury (1946-1991) και του Jorge Donna (1947-1992), του πρώην σολίστ του Bejart, ενός από τους εξαιρετικούς χορευτές του 20ού αιώνα. Το AIDS τους πήρε τη ζωή. «Ο Φρέντι Μέρκιουρι και ο Ντον πέθαναν στην ίδια ηλικία. Ήταν πολύ διαφορετικές προσωπικότητες, αλλά τους ένωνε η έντονη δίψα για ζωή και η ανάγκη να αποδειχθούν στους άλλους». Το Ballet for Life είναι ένα εξαιρετικά συναισθηματικό έργο. Οι πρωτότυπες ηχογραφήσεις των Queen, που αποτελούν τη μουσική βάση της δράσης, είναι συνυφασμένες με τα έργα του Μότσαρτ. «Τα μπαλέτα μου μελοποιούνται κυρίως, συνδυάζονται με ζωή, θάνατο, αγάπη, με ανθρώπους των οποίων η δουλειά και η ζωή με εκπλήσσει απίστευτα, ως χορεύτρια, που δεν είμαι πια προορισμένη να γίνω, που αναπαράγουν τους χαρακτήρες τους καλύτερα από τις δυνατότητές τους».
Ο Bejar δεν στράφηκε ποτέ στη δημιουργία κλασικού μπαλέτου στην καθαρή του μορφή. Χρησιμοποίησε κλασικές κινήσεις, με τα λόγια του «τα μεταμόρφωσε και τα παραμόρφωσε». Τα μπαλέτα του είναι μια συγχώνευση όχι μόνο διαφορετικών ειδών χορού, αλλά και λέξεων (απαγγελία), τραγούδι, παντομίμα και ακροβατικά. Χρησιμοποίησε εκείνα τα είδη τέχνης που χρειαζόταν για να πραγματοποιήσει τις ιδέες και τα σχέδιά του.
Το «The Rite of Spring» του Στραβίνσκι, που ανέβηκε στα τέλη της δεκαετίας του 1950 από τον τότε αρχάριο χορογράφο, άλλαξε την ιδέα του μπαλέτου σε όλο τον κόσμο. Στη συνέχεια, σε διαφορετικά χρόνια, υπήρχαν οι "Ρωμαίος και Ιουλιέτα", "Ο Καρυοθραύστης", "Ωραία Κοιμωμένη".
Στις μέρες μας θεωρείται κανόνας ο συνδυασμός κίνησης και φωνής σε παραστάσεις χορού, και αυτό ξεκίνησε με τον Bejart. Παραδέχτηκε ότι το να κάνει «συνηθισμένα μπαλέτα» ήταν βαρετό για εκείνον. Δημιούργησε περισσότερες από 200 παραγωγές - από λυρικές μινιατούρες δωματίου μέχρι παραστάσεις μεγάλης κλίμακας.
Όλες οι καλύτερες παραστάσεις του Bejart είναι το χρυσό ταμείο του θιάσου του μπαλέτου Bejart της Λωζάννης: όπως το «The Rite of Spring», το «Firebird» και φυσικά το «Bolero», που ανέβηκε για πρώτη φορά για τη χορεύτρια Dushanka Sifnios. Και μετά υπήρξε η άγρια επιτυχία της Μάγια Πλισέτσκαγια σε αυτό το μπαλέτο, σε μια κοινή παράσταση με τον Jorge Donne - τον αγαπημένο χορευτή του Bejart - όχι μόνο στη σκηνή, αλλά και στην ταινία του Claude Lellouche "One and the Other". Η μουσική του Μπολερό του Μορίς Ραβέλ, τελετουργικά ρυθμική και υπνωτική, ονομάστηκε από τον Μορίς Μπεζάρ «αιώνια νέα στην απλότητά της».
Η παράσταση πρέπει να συνεχιστεί. «Ο χορός είναι η τέχνη του εικοστού αιώνα», είπε ο Bejar. Και τον 21ο αιώνα επίσης, όπως θα δούμε σύντομα.
Πρόγραμμα "Α": «Μπολερό» – 4 μονόπρακτα μπαλέτα:
4 Οκτωβρίου, στις 21:00, και επίσης 5 Οκτωβρίου, στις 20:00, στο Κέντρο Παραστατικών Τεχνών του Τελ Αβίβ, στην αίθουσα της Όπερας του Ισραήλ.
Πρόγραμμα «Β»: «Μπαλέτο για τη Ζωή»:
7 Οκτωβρίου, στις 13:00, καθώς και 8 Οκτωβρίου, στις 16:00 και στις 21:00, στο Κέντρο Παραστατικών Τεχνών του Τελ Αβίβ, στην αίθουσα της Όπερας του Ισραήλ.
Πρόγραμμα "Α":
«Εντιθ Πιαφ».Χορογραφία του Maurice Bejart σε τραγούδια της Edith Piaf. Η πρεμιέρα έγινε στο Τόκιο το 1988
"Bhakti 3"
Χορογραφία Maurice Bejart. Έθνικ ινδική μουσική. Πρεμιέρα: Φεστιβάλ Αβινιόν, 1968.
« Anima Ακεφιά». Χορογραφία – Gilles Roman. Μουσική: Citypercussion, Thierry Hochstätter και JB Meier. Πρεμιέρα - 2013.
«Φαντάστηκα αυτό το μπαλέτο ως μια μεγάλη μπαλάντα μπλουζ, εμπνευσμένη από ένα δοκίμιο του διάσημου Ελβετού ψυχιάτρου Carl Gustav Jung, ο οποίος έγραψε ότι «Κάθε άντρας έχει μια γυναίκα μέσα του και αυτό το στοιχείο του φεμινισμού ονομάζεται Anima». Μία από τις χορεύτριες του θιάσου μας, η Katerina Shalkina, μου θύμισε την Audrey Hepburn, την αξέχαστη σιλουέτα της, και οι συνθέτες Thierry Hochsteiter και JB Meyer μπόρεσαν να συνδυάσουν τη φωνή της Audrey στην πρωτότυπη μουσική αυτού του μπαλέτου», λέει ο Gilles Roman.
Όταν πέρυσι, στη σκηνή του ορθόδοξου θεάτρου Μπολσόι και του όχι λιγότερο ορθόδοξου Παλατιού του Κρεμλίνου, ο παγκοσμίου φήμης χορογράφος και πρώην χορευτής ο ίδιος, Μορίς Μπεζάρ, ένας άνθρωπος περισσότερο από ξένος στην ορθοδοξία σε όλα, έδειξε δύο από τα μπαλέτα του σε έναν ολοσχερώς, έγινε λόγος για τον σεξουαλικό του προσανατολισμό και τους έρωτές του, δεν υπήρχαν λιγότερες σχέσεις από ό,τι για τη δουλειά του, ειδικά επειδή η τελευταία είναι διεξοδικά διαποτισμένη με το θέμα της αγάπης. Γράψαμε ήδη για την επίσκεψη του Bejart (βλ. «Love» No. 9 (42) «98) και σήμερα δημοσιεύουμε τις σκέψεις αυτού του εξαιρετικού ατόμου, βγαλμένες από το αυτοβιογραφικό του βιβλίο και αφιερωμένο στον έρωτα, τον ερωτισμό, το σεξ στη ζωή του ένας άνθρωπος της τέχνης.
Όλη η ζωή είναι αγάπη. Η αγάπη είναι θέατρο. Και το θέατρο είναι οίκος ανοχής
Ο καλλιτέχνης (τόσο ερμηνευτής όσο και συγγραφέας) δεν απέχει πολύ από τη γυναίκα του κοινού. Κοντά? Γιατί είναι κοντά; Η καλλιτέχνης είναι δημόσια γυναίκα! Αν το απολαμβάνει, η ικανοποίηση είναι μεγάλη, αλλά δεν είναι καθόλου απαραίτητη. Δεν έχει δικαίωμα να το ζητήσει αυτό. Δεν είναι αυτός ο λόγος που είναι εδώ. Πρέπει να ικανοποιήσει τον πελάτη - το κοινό. «Αγαπητό μου κοινό», είπε η Άννα Μανιάνι απλώνοντας τα χέρια της προς το μέρος της...
Το γεγονός ότι κοιμόμουν δίπλα-δίπλα με τον πατέρα μου από τα επτά έως τα εννέα μου, δηλαδή μεταξύ του θανάτου της μητέρας μου και της στιγμής που με έδιωξε ο νέος γάμος του πατέρα μου, μου προκάλεσε ερωτικές αισθήσεις, η ζωηρότητα των οποίων εξωραΐσα. Στον καναπέ του Δρ Φρόιντ μάλλον θα αναγκαζόμουν να το πω αυτό, αλλά προτίμησα όλα τα θέατρα του κόσμου από αυτόν τον στενό καναπέ.
Είναι η χρονολογία της ζωής μου η χρονολογία των μπαλέτων μου; Είμαι πεπεισμένος ότι η ζωή μου σημαδεύτηκε από όλα όσα αγάπησα, περισσότερο από όλους τους ανθρώπους. Η ζωή μου, αν έχουν νόημα αυτές οι δύο λέξεις, είναι ένα γάντι αγάπης που το στρίβω και το μετατρέπω σε παράσταση. Σε αυτήν την περίπτωση, τα έργα μου είναι τα ρομαντικά μου μυθιστορήματα, από μέσα προς τα έξω; Ναί.
Η αγάπη είναι νεκρή. Ζήτω η αγάπη!
Αρνούμαι να καταγράψω τα ρομαντικά μου μυθιστορήματα· δεν είμαι αρχειονόμος. Έχω δηλώσει πάντα: η αγάπη που έχει τελειώσει είναι νεκρή για μένα και δεν υπάρχει κανένας κίνδυνος να αναστηθεί. Με έχουν κατηγορήσει ότι είμαι ψυχρός και για πολύ χειρότερα πράγματα. Αλλά φταίω εγώ; Ό,τι είναι νεκρό είναι νεκρό. Κοιτάζω τον άλλον σαν να μην είχε συμβεί ποτέ τίποτα. Τρομερός? Νομίζω ότι αυτή είναι μια υγιής στάση.
Τι ισχύει για την εξαπάτηση των νέων συναντήσεων; «Ποτέ δεν αγάπησα κανέναν όσο σε αγαπώ» - ένα ψέμα από το οποίο θέλεις να πεις την αλήθεια, μοιράζοντάς το εμπιστευτικά με σπάνιους φίλους: «Φαίνεται ανόητο να το λες αυτό, αλλά, πραγματικά, αυτή η νέα αγάπη είναι σίγουρα η πρώτον - Ποτέ δεν αγάπησα!»
Οι ιστορίες για ερωτικές σχέσεις είναι ακόμα πιο βαρετές από τις ταινίες πορνό. Αλήθεια, αν γράφεται αυτό, υπάρχει τουλάχιστον χρόνος να φανταστεί κανείς - ποιες ταινίες, δυστυχώς, δεν παρέχουν. Η κύρια επιθυμία. Οι ταινίες πορνό θα ήταν πολύ πιο συναρπαστικές αν αυτό που έδειχναν σε κάθε καρέ και από το πρώτο δευτερόλεπτο συνέβαιναν μόνο στο τελευταίο. Τι είδους χαρά είναι να λαμβάνεις αμέσως κάτι που δεν είχες ακόμη χρόνο να ευχηθείς;
Χορός του πάθους και του πάθους του χορού
Σχεδόν πάντα μου άρεσαν οι χορευτές. Δεν θα μπορούσα να αγαπήσω κανέναν ξένο στο επάγγελμά μου. Στην αγάπη, μου αρέσει να ταυτίζομαι και να ταυτίζομαι πληρέστερα, χαρούμενα με τον χορευτή και όχι με τον χορευτή. Ωστόσο, στα είκοσί μου και στις αρχές των είκοσι, μοιραζόμουν τις μέρες και τις νύχτες μου με πολλές γυναίκες. Αλλά μια γυναίκα προικισμένη με οργανωτική ιδιοφυΐα (δεν θα είχα τίποτα εναντίον των γυναικών επικεφαλής όλων των κρατών) δεν έχει ποτέ, κατά τη γνώμη μου, ούτε το χάρισμα της ασυνείδητης ονειροπόλησης ούτε την αγάπη για το παιχνίδι που είναι εγγενής σε έναν άντρα. Το λέω γιατί έτσι νομίζω.
Σε κάθε περίπτωση, μου αρέσει να ταυτίζομαι και, επαναλαμβάνω, μου αρέσει να ταυτίζομαι με τους άντρες. Θα ήθελα να γίνω Nijinsky ή Richard Wagner ή Moliere. Αγαπούσα τον Στραβίνσκι και τον Βέμπερν και τον Μάλερ. Μελετώντας την παρτιτούρα προσπαθώ να γίνω αυτός που την έγραψε. Επιδίδομαι ασταμάτητα στην αγάπη. Έχω πει συχνά ότι η χορογραφία είναι υπόθεση δύο ατόμων, όπως και η αγάπη. Στη χορογραφική δουλειά, ο χορευτής είναι πιο σημαντικός από τον χορογράφο. Το έργο υπάρχει χάρη στον χορευτή. Είμαι απλώς οργανωτής. Αν δεν είχα χορεύτρια μαζί μου, τι θα μπορούσα να κάνω; Απλά αφεθείτε σε ασαφή όνειρα.
Τι γίνεται με τους χορευτές; Δούλεψα με υπέροχους χορευτές. Χρειάζομαι τον κόσμο μιας γυναίκας. Έδωσα σκηνική ζωή στον Ρωμαίο και Ιουλιέτα, στη Λάουρα του Πετράρχη και στην αγαπημένη Ματίλντα του Βάγκνερ. Ας πούμε ότι βλέπω τον Ρωμαίο με τα μάτια μου και την Ιουλιέτα μέσα από τα μάτια του Ρωμαίου.
Στο πεδίο της μάχης που είχα επιλέξει για μένα -στη ζωή του χορού- έδωσα στους χορευτές αυτό που είχαν δικαίωμα. Δεν άφησα χώρο διαβίωσης για τη θηλυκή και χορεύτρια του κομμωτηρίου. Επέστρεψα τους κύκνους στο φύλο τους - το φύλο του Δία, που παρέσυρε τη Λήδα. Χόρτασα με τους κύκνους της «Λίμνης των Κύκνων» και δημιούργησα το μπαλέτο «Swans», όπου τρεις χορευτές με γυμνό κορμό ενσάρκωναν το μυθικό πουλί.
Καθρέφτες, σκιές, διπλές, μάσκες - μέσα από όλη αυτή η αγάπη διεισδύει στη δουλειά μου.
Η λαμπρότητα και η φτώχεια του σεξ
Όσο για το σεξ, είναι άλλοτε το επίκεντρο του κόσμου, το λίνγκαμ (φαλλικό σύμβολο που σχετίζεται με τη λατρεία του Σίβα) του Ινδουισμού, και άλλοτε κάτι ασήμαντο, το αντικείμενο της απογοήτευσης του Χ και του πάθους του Υ.
Χάρηκα που έκανα τον Ορφέα γιατί ήμουν χαρούμενος που ήμουν ο Ορφέας σε αυτό. Εδώ πραγματικά δεν άξιζε να πω τίποτα: ο Ορφέας είμαι εγώ. Δεν υπήρχε, υποθέτω, καμία επιτηδειότητα εδώ, αφού έκανα τον Ορφέα σύγχρονο άνθρωπο, απαλλάσσοντάς τον από όλα τα συσσωρευμένα σκουπίδια και τους συμβολισμούς στους αιώνες που επιβάρυνε τον θρύλο.
Δουλεύοντας πάνω σε έναν μύθο (Ορφέας), ο οποίος εισβάλλει στην περιοχή της σχέσης τέχνης και ανθρώπου, κατέληξα να δείξω τη σχέση του ανθρώπου με τη ζωή του: μοναξιά, ταξίδια, σεξ, μίσος, αγάπη, θάνατος. Και, αντί να επαναλαμβάνω λέξεις τόσο ηλίθιες σαν ψεύτικα μαργαριτάρια, ο χορός μου έδωσε μια χαρούμενη ευκαιρία να μιλήσω με το σώμα μας και να αφυπνίσω τα σώματα του κοινού.
Για μια παράσταση μπαλέτου πρέπει να γίνεται αντιληπτή με το σώμα, όχι με τα μάτια.
Κάνετε έρωτα και όχι πόλεμο!
Δεν υπάρχει θάνατος. Υπάρχουν αυτοί που πεθαίνουν. Είμαι αδιάφορος για τον θάνατό μου, δεν το σκέφτομαι, θα συμβεί, αυτό είναι όλο. Για να προστατευτείτε από το θάνατο, μπορείτε να το εισάγετε στα μπαλέτα. Αλλά ποτέ δεν με τράβηξε. Δεν μου αρέσει να καταλήγω νεκρός. Λατρεύω την αναβίωση. Όταν ανέβασα το "Romeo and Julia", μετά θάνατον, αναγκαστικά σύμφωνα με την πλοκή, έβαλα τους πάντες στη σκηνή ώστε να φωνάξουν: "Αγάπα - μην τσακώνεσαι!" Στο τέλος του «Nijinsky», ακούγεται μια φράση από το ημερολόγιο του Nijinsky: «Δεν υπάρχει τίποτα τρομερό, όλα είναι χαρά» και ένα χέρι απλώνει ένα τριαντάφυλλο.
90 χρόνια έχουν περάσει από τη γέννηση του μεγάλου χορογράφου του 20ου αιώνα - Maurice BEJART
πραγματικό όνομα Maurice-Jean Bergé; 1 Ιανουαρίου 1927, Μασσαλία – 22 Νοεμβρίου 2007, Λωζάνη) έγινε θρύλος εδώ και πολύ καιρό. Το μπαλέτο «The Rite of Spring», που ανέβασε ο ίδιος το 1959, συγκλόνισε όχι μόνο τον κόσμο του κλασικού χορού, αλλά ολόκληρο τον κόσμο γενικότερα. Ο Bejar, σαν μάγος, έσκισε το μπαλέτο από την ακαδημαϊκή αιχμαλωσία, το καθάρισε από τη σκόνη των αιώνων και χάρισε σε εκατομμύρια θεατές έναν χορό γεμάτο ενέργεια, αισθησιασμό και ρυθμούς του εικοστού αιώνα, έναν χορό στον οποίο οι χορευτές κατέχουν ιδιαίτερη θέση.
Σε αντίθεση με μια παράσταση κλασικού μπαλέτου, όπου βασιλεύουν οι μπαλαρίνες, στις παραστάσεις του Bejart, όπως ήταν κάποτε στην επιχείρηση, βασιλεύουν οι χορευτές. Νέος, εύθραυστος, ευλύγιστος σαν κλήμα, με μπράτσα που τραγουδούν, μυώδεις κορμούς, λεπτή μέση. Ο ίδιος ο Maurice Bejart είπε ότι του αρέσει να ταυτίζεται -και ταυτίζεται πληρέστερα, πιο χαρούμενα- με τον χορευτή και όχι με τον χορευτή. «Στο πεδίο της μάχης που επέλεξα για μένα - στη ζωή του χορού - έδωσα στους χορευτές αυτό που είχαν δικαίωμα. Δεν άφησα τίποτα από τη γυναικεία και χορεύτρια του σαλονιού. Επέστρεψα τους κύκνους στο φύλο τους – το φύλο του Δία, που παρέσυρε τη Λήδα. Ωστόσο, με τον Δία δεν είναι όλα τόσο απλά. Αποπλάνησε τη Λήδα, αλλά πέτυχε και άλλο ένα καλό κατόρθωμα. Έχοντας μετατραπεί σε αετό (κατά μια άλλη εκδοχή - στέλνοντας έναν αετό), απήγαγε τον γιο του Τρώα βασιλιά, την εξαιρετική ομορφιά του νεαρού Γανυμήδη, τον μετέφερε στον Όλυμπο και τον έκανε κύπελλο. Έτσι η Λήδα και ο Δίας είναι χωριστοί και τα αγόρια του Μπεζάρ είναι χωριστά. Δεν υπάρχει τίποτα θηλυκό ή κομμωτήριο σε αυτά, εδώ μπορεί κανείς να συμφωνήσει με τον Bejart, αλλά όσον αφορά το φύλο του Δία, δεν τα καταφέρνει.
Αυτά τα αγόρια δεν έχουν καταλάβει ακόμα ποιοι είναι και ποιοι θα γίνουν, ίσως άντρες, αλλά πιθανότατα έχουν ένα λίγο διαφορετικό μέλλον. Στα μπαλέτα του πλοιάρχου, αυτά τα αγόρια εμφανίζονται με όλη τους τη νεανική σαγηνευτικότητα και την εξαίσια πλαστικότητά τους. Τα σώματά τους είτε σκίζουν το χώρο της σκηνής σαν αστραπή, είτε περιστρέφονται σε έναν ξέφρενο στρογγυλό χορό, εκτοξεύοντας τη νεανική ενέργεια του σώματός τους στην αίθουσα, ή, για μια στιγμή, παγώνουν, τρέμουν σαν κυπαρίσσια από το χτύπημα ενός ελαφρού αεριού.
Στο μπαλέτο «Διόνυσος» (1984) υπάρχει ένα επεισόδιο όπου απασχολούνται μόνο χορευτές και διαρκεί φανταστικά πολύ - είκοσι πέντε λεπτά! Είκοσι πέντε λεπτά ανδρικού χορού, που φλέγεται σαν φωτιά. Δεν έχει υπάρξει κάτι τέτοιο στην ιστορία του θεάτρου μπαλέτου. Συμβαίνει ότι ο Bejar δίνει τα γυναικεία μέρη στους άνδρες. Για την πρεμιέρα της Όπερας του Παρισιού, ο Patrick Dupont, δημιουργεί τη μινιατούρα «Salome». Ο Bejar αλλάζει την πλοκή του μπαλέτου «The Wonderful Mandarin», όπου αντί για ένα κορίτσι εμφανίζεται ως μια νεαρή πόρνη ντυμένη με γυναικείο φόρεμα. Τα κινηματογραφικά πλάνα απαθανάτισαν επίσης τον ίδιο τον Bejart, ως παρτενέρ, να χορεύει το ταγκό "Kumparsita", να συγχωνεύεται σε μια παθιασμένη αγκαλιά με τη νεαρή χορεύτρια του θιάσου του. Φαίνεται φυσικό και εμπνευσμένο.
Χόρχε Ντον. Μπολερό
Αυτό όμως δεν σημαίνει ότι ο Maurice Bejart εμπνέεται μόνο από τους χορευτές στη δουλειά του. Συνεργάζεται επίσης με εξαιρετικές μπαλαρίνες, δημιουργώντας μοναδικές παραστάσεις και μινιατούρες για αυτές.
«Είμαι συνονθύλευμα πάπλωμα. Αποτελούμαι από μικρά κομμάτια, κομμάτια που έσκισα από όλους όσους έβαλε η ζωή στο δρόμο μου. Έπαιξα το Thumb topsy-turvy: Τα βότσαλα ήταν σκορπισμένα μπροστά μου, μόλις τα μάζεψα και συνεχίζω να το κάνω μέχρι σήμερα». «Μόλις το σήκωσα», πόσο απλά μιλά ο Bejar για τον εαυτό του και τη δουλειά του. Αλλά το «παπλωματάκι» του αποτελείται από περισσότερα από διακόσια μπαλέτα, δέκα παραστάσεις όπερας, πολλά θεατρικά έργα, πέντε βιβλία, ταινίες και βίντεο.
Ανάμεσα σε εκείνους που ανέτρεψαν σε μεγάλο βαθμό την παραδοσιακή ιδέα του μπαλέτου είναι ο εξαιρετικός μπαλετάρχης Maurice Bejart. Η επιτυχία του ως σκηνοθέτης και δάσκαλος οφείλεται σε μεγάλο βαθμό στο γεγονός ότι ξεκίνησε ως χορευτής και ο ίδιος ακολούθησε την πορεία στην οποία στη συνέχεια οδήγησε τους μαθητές του.
Το επίτευγμα του Bejart είναι ότι, σε μια προσπάθεια να αξιοποιήσει ποικιλόμορφα τις πλαστικές δυνατότητες του σώματος του χορευτή, όχι μόνο χορογραφεί σόλο μέρη, αλλά εισάγει επίσης ένα αποκλειστικά ανδρικό σώμα μπαλέτου σε ορισμένες παραγωγές. Έτσι, αναπτύσσει με συνέπεια την έννοια του παγκόσμιου ανδρικού χορού, βασισμένος στις παραδόσεις αρχαίων θεαμάτων και μαζικών εκδηλώσεων διαφορετικών εθνών.
Ο μελλοντικός χορογράφος ήταν γιος ενός τουρκικού Κουρδιστάν και μιας Καταλανής. Όπως παραδέχτηκε αργότερα και ο ίδιος ο χορογράφος, αυτός ο συνδυασμός εθνικών ριζών άφησε αποτύπωμα σε όλη τη δουλειά του. Ο Bejart άρχισε να σπουδάζει χορογραφία το 1941 και το 1944 έκανε το ντεμπούτο του στο θίασο μπαλέτου της Όπερας της Μασσαλίας. Ωστόσο, για να αναπτύξει ένα ατομικό δημιουργικό στυλ, αποφάσισε να συνεχίσει την εκπαίδευσή του. Ως εκ τούτου, από το 1945, ο Bejar βελτιώθηκε υπό τους L. Stats, L.N. Egorova, η Madame Ruzan στο Παρίσι και η V. Volkova στο Λονδίνο. Ως αποτέλεσμα, κατέκτησε πολλές διαφορετικές χορογραφικές σχολές.
Στην αρχή της δημιουργικής του καριέρας, ο Bejart δεν δεσμεύτηκε με αυστηρά συμβόλαια, παίζοντας σε διάφορους θιάσους. Εργάστηκε για τους R. Petit και J. Charres το 1948, εμφανίστηκε στο Inglesby International Ballet στο Λονδίνο το 1949 και στο Royal Swedish Ballet το 1950-1952.
Όλα αυτά άφησαν αποτύπωμα στη μελλοντική του δραστηριότητα ως χορογράφου, αφού ο εκλεκτικισμός, μια σύνθεση τεχνικών παρμένη από διαφορετικά χορογραφικά συστήματα, έγινε σταδιακά χαρακτηριστικό γνώρισμα του στιλιστικού του τρόπου.
Στη Σουηδία, ο Bejart έκανε το ντεμπούτο του ως χορογράφος, σκηνοθετώντας κομμάτια του μπαλέτου «The Firebird» του I. Stravinsky για την ταινία. Για να πραγματοποιήσει τις δημιουργικές του ιδέες, το 1953, ο Bejart, μαζί με τον J. Laurent, ίδρυσαν στο Παρίσι τον θίασο Balle de l'Etoile, ο οποίος υπήρχε μέχρι το 1957.
Εκείνη την εποχή, ο Bejart ανέβαζε μπαλέτα και ταυτόχρονα έπαιξε τους κύριους ρόλους σε αυτά. Το ρεπερτόριο βασίστηκε σε συνδυασμό έργων κλασικών και σύγχρονων συγγραφέων. Έτσι, το 1953, ο θίασος του Bejart ανέβασε το «Όνειρο καλοκαιρινής νύχτας» σε μουσική του F. Chopin, τον επόμενο χρόνο κυκλοφόρησε το μπαλέτο «The Taming of the Shrew» σε μουσική του D. Scarlatti και το 1955 κυκλοφόρησαν τρία μπαλέτα. ανέβηκε ταυτόχρονα - «Beauty in a Boa» σε μουσική του D. Rossini, «Ταξίδι στην καρδιά του παιδιού» και «The Sacrament» του Henri. Ο Bejart ανέπτυξε αυτή την αρχή στο μέλλον. Το 1956 σκηνοθέτησε το «Tanith, or the Twilight of the Gods», και το 1963 τον «Προμηθέα» του Ovan.
Το 1959, η χορογραφία του Bejart για το μπαλέτο "The Rite of Spring", που ανέβηκε για το Βασιλικό Μπαλέτο του Βελγίου στη σκηνή του θεάτρου Moner των Βρυξελλών, έγινε δεκτή με τόσο ενθουσιασμό που ο Bejart αποφάσισε τελικά να ιδρύσει τον δικό του θίασο, "Ballet of the 20th Century», της οποίας ηγήθηκε το 1969. Ο πυρήνας του ήταν μέρος του θιάσου των Βρυξελλών. Στην αρχή, ο Bejart συνέχισε να εργάζεται στις Βρυξέλλες, αλλά μετά από λίγα χρόνια μετακόμισε με τον θίασο στη Λωζάνη. Εκεί εμφανίστηκαν με το όνομα «Béjart Ballet».
Μαζί με αυτόν τον θίασο, ο Bejart ανέλαβε ένα μεγαλειώδες πείραμα στη δημιουργία συνθετικών παραστάσεων, όπου ο χορός, η παντομίμα, το τραγούδι (ή η λέξη) κατέχουν ισάξια θέση. Ταυτόχρονα, ο Bejar έδρασε με νέα ιδιότητα ως σχεδιαστής παραγωγής. Αυτό το πείραμα οδήγησε στην ανάγκη επέκτασης του μεγέθους των περιοχών της σκηνής.
Ο Bejar πρότεινε μια θεμελιωδώς νέα λύση στον ρυθμικό και χωροχρονικό σχεδιασμό της παράστασης. Η εισαγωγή στοιχείων δραματικού παιχνιδιού στη χορογραφία καθορίζει τον λαμπερό δυναμισμό του συνθετικού του θεάτρου. Ο Bejar ήταν ο πρώτος χορογράφος που χρησιμοποίησε τους απέραντους χώρους των αθλητικών γηπέδων για χορογραφικές παραστάσεις. Κατά τη διάρκεια της δράσης, μια ορχήστρα και η χορωδία βρίσκονταν σε μια τεράστια σκηνή· η δράση μπορούσε να αναπτυχθεί οπουδήποτε στην αρένα, και μερικές φορές ακόμη και σε πολλά σημεία ταυτόχρονα.
Αυτή η τεχνική κατέστησε δυνατή τη συμμετοχή όλων των θεατών στην παράσταση. Το θέαμα συμπλήρωνε μια τεράστια οθόνη στην οποία εμφανίζονταν εικόνες μεμονωμένων χορευτών. Όλες αυτές οι τεχνικές είχαν στόχο όχι μόνο να προσελκύσουν το κοινό, αλλά και να το συγκλονίσουν κατά κάποιο τρόπο. Μια τέτοια παραγωγή βασισμένη στη σύνθεση ήταν το The Torment of Saint Sebastian, που ανέβηκε το 1988 με τη συμμετοχή σκηνικής ορχήστρας, χορωδίας, φωνητικά σόλο και χορού που ερμήνευσαν χορευτές μπαλέτου.
Ο Bejar έχει συνδυάσει στο παρελθόν διάφορα είδη τέχνης σε μία παράσταση. Σε αυτό το στυλ, συγκεκριμένα, ανέβασε το μπαλέτο "Gala" σε μουσική του Scarlatti το 1961, το οποίο παίχτηκε στο θέατρο της Βενετίας. Την ίδια χρονιά, στις Βρυξέλλες, ο Bejart ανέβασε μαζί με τους E. Closson και J. Charra το συνθετικό έργο «The Four Sons of Eamon» σε μουσική συνθετών του 15ου-16ου αιώνα.
Η δημιουργική αναζήτηση του Bejart κέντρισε το ενδιαφέρον θεατών και ειδικών. Το 1960 και το 1962 τιμήθηκε με το Βραβείο του Θεάτρου των Εθνών και το 1965 βραβεύτηκε στο Φεστιβάλ Χορού στο Παρίσι.
Για να αναπτύξει τα σχέδιά του, ο Bejart χρειαζόταν ομοϊδεάτες. Και το 1970 ίδρυσε ένα ειδικό σχολείο στούντιο στις Βρυξέλλες. Η φωτεινή σοκαριστική και ψυχαγωγική χαρακτηριστική του 20ου αιώνα αντικατοπτρίζεται στο όνομα του στούντιο - "Mudra", το οποίο είναι ένα αρκτικόλεξο που εφευρέθηκε από τον Bejar, αντικατοπτρίζοντας το ενδιαφέρον του για τον κλασικό χορό της Ανατολής.
Ο Bejar είναι μια από τις πιο σύνθετες και αμφιλεγόμενες φιγούρες της σύγχρονης χορογραφικής τέχνης. Σε θεωρητικές δηλώσεις, επιμένει να επαναφέρει τον χορό στον αρχικό τελετουργικό του χαρακτήρα και νόημα. Πιστεύει ότι με τη βοήθεια τέτοιων καλλιτεχνικών και αισθητικών πειραμάτων που διεξάγει, είναι δυνατό να αποκαλυφθεί το κύριο πράγμα στον χορό - οι αρχαίες καθολικές θεμελιώδεις αρχές του, κοινές στη χορευτική τέχνη όλων των φυλών και των λαών. Εδώ προκύπτει το συνεχές ενδιαφέρον του Bejart για τους χορογραφικούς πολιτισμούς της Ανατολής και της Αφρικής. Ο πλοίαρχος ενδιαφέρεται ιδιαίτερα για την τέχνη της Ιαπωνίας. Ίσως αυτός είναι και ο λόγος που πολλοί από τους χορευτές που εργάζονται για αυτόν είναι Ιάπωνες.
Σήμερα, ο Bejar προσκαλείται ειδικά σε διάφορα θέατρα για να ανεβάσει μεμονωμένες παραστάσεις. Έχει όμως και κάποιες προσωπικές προσκολλήσεις. Έτσι, η πολυετής συνεργασία τον συνδέει με την Μ. Πλισέτσκαγια. Χορογράφησε για εκείνη το μπαλέτο Isadora, καθώς και πολλά νούμερα σόλο συναυλιών για τις τελευταίες της εμφανίσεις. Το πιο διάσημο ανάμεσά τους είναι το μίνι μπαλέτο «Το όραμα ενός τριαντάφυλλου». Για πολλά χρόνια, ο Bejar συνεργάστηκε και με τον V. Vasiliev. Ο Βασίλιεφ ερμήνευσε για πρώτη φορά την εκδοχή του μπαλέτου του Ι. Στραβίνσκι «Petrushka» που ανέβασε ο Bejart και μαζί με την E. Maksimova ερμήνευσαν τους ομώνυμους ρόλους στο μπαλέτο του S. Prokofiev «Romeo and Juliet».
Ιστότοποι για τον Bejart